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Here we are again with a very interesting work, directly written from the students of the “Liceo Scientifico Statale Luigi Cremona“. Please find below the playlist that the 5C selected for this CLIL history class 2017/2018 (How music changed history: Blues, Jazz and Rock’n’Roll).



Elvis Presley – In the Ghetto
The song In the Ghetto, sung by Elvis Presley, was composed in 1969 by Mac Davis and it was originally titled The Vicious Circle, but it seemed to Davis that the desperation in the song was similar to the one in the wartime Jewish ghettos, so he changed it.
It is one of the few socially involved songs Elvis recorded, and it’s about a boy born in Chicago’s ghetto, forced by the circumstances to go down a path of criminality: “he learns how to steal, and he learns how to fight”, “he buys a gun, steals a car” – this will ultimately lead to his death.
The song is expressing a deterministic view of life: the boy had no way to escape his destiny, which was determined by the social environment he was born in. He could have had a different life only if someone had helped him (“The child needs a helping hand Or he’ll grow to be an angry young man some day”). In the Ghetto is criticizing the indifference of the society of that time (“Do we simply turn our heads, and look the other way?”) towards black people; indifference and discrimination were what lead to the awful condition afro-americans lived in in the first place (people born in the ghetto were likely to become criminals just so they could survive), so that’s what needs to be changed in order to give black people more chances at having a normal life.
It’s interesting to underline that the song has a cyclic structure: it starts with a baby being born, and it ends in the same way (“Another little baby child is born in the ghetto, and his mama cries”). On one hand, the fact that this baby is born in the same moment when the boy dies could be seen as some kind of positive balance the universe is trying to restore; on the other hand, the new-born baby has the same destiny as the boy who died.



Billie Holiday – Strange Fruit

Strange fruit is part of a group of the so called “ difficult songs ” .
From the singer to the lyrics, this song is absolutely different from any other one of its time.
Billie Holiday, daughter of two young artists, had a difficult childhood. She moved in New York and started a prostitute career to survive. She had drugs and alchool problems, but this never stopped her. She began her story with music between a brothel walls, where she could listen to Bessie Smith and Louis Amstrong. Her singer career started when se was 15 and at 18 a big producer ( John Hammond ) noticed her and sponsored her two first albums.
She was one of the first black singer working with white women and, even if she was forced to stay in the fitting room until her show and to use a diffrent door to get into the clubs, when she was singing everyone stopped and listen to her. Or at least, this used to happen when she was not playing Strange Fruit. This song had the ability to make people feel unconfortable and. it wasn’t always the feelings that the public wanted to speriment.
Strange fruit is diffrent from her other songs and it was so intense that became an anthem for black civil rights. Out in 1939, it told the real story about black people and their life
conditions. The strange fruit that gives the title to the song is the body of a black man killed
and hanged at a tree, which is a message and a symbol of the victims of racism in the south of the united states. In fact, even if it was forbitten by law, there were a lot of people murdered and the 80% of the victims of 1940 was black, certanly not a coincidence.



John Coltrane – Alabama

John Coltrane was an acclaimed American saxophonist and composer that became an
iconic figure of jazz in the 20th-century. He turned the jazz’s world into the expression of the human need for answers: he used music to make sense of senseless acts.
“Alabama” is perhaps a masterpiece in this regard.
Coltrane wrote the song in response to the bombing that was planted by Ku Klus Klan
extremists in the 16th Street Baptist Church in Birmingham (Alabama); this tragic event
caused the death of four black girls between 11 and 14. Martin Luter King made a moving speech for these martyred children and Coltrane used King’s words as a basement for his song.
Both Coltrane’s music and King’s specchio are passionate, expressing or inducing sadness.
As Martin Luter King speech has a turning point becoming a statement of reniew
determination for the struggle against racism, “Alabama” changes his tone becoming a
Finally we think that “Alabama”s melody expresses both the sadness of that tragic event and the individual human injustice. Infact listening to “Alabama” and reading King’s words together is an incredibly moving experience.



Mahalia Jackson – We shall overcome

“We Shall Overcome” is probably one of the most influent hymn of freedom among afro-american people but also for students who wanted their voices to be listened. This song became very famous and was sung all over the world by many important artists such as Joan Baez, Louis Armstrong, Diana Ross, Bruce Springsteen, Pete Seeger and Mahalia Jackson. Mahalia’s version was the most touching one considering that she sang it during Martin Luther King’s funeral that was a very important person to her and her people.
Due to her story she was strictly connected with this song, her voice was so moving and powerful that Dr. King Jr. himself had described her talent saying that: “A voice like this one comes not once in a century, but once in a millennium”.
Going through history this song has being changed by artists who decided to add or modify lyrics and structure. For instance, Pete Seeger gave his contribution by replacing the word “will” into “shall” in order to “make the mouth opened better”.
The roots of this song are not clear: it may come from Charles Tindley who composed a gospel song that contained the words “ I’ll overcome some day” or maybe from a following gospel song that says “deep in my heart I do believe/I’ll overcome some day”. Even if this song has ancient origins it become popular in 1960s thanks to Pete Seeger. However before the song broke through, it was an unofficial anthem of American Civil Rights Movement. It has had a social importance during the strike of 1946 in Charleston where a group of Afro-American tobacco workers were protesting for their rights. Thanks to the powerful meaning of this song, it was adopted not only by American students, indeed there is a Spanish version used by Galician students against the dictatorship in 1967-68. “We shall overcome” was also used as a rampart of civil rights by black people in South Africa against apartheid.
All in all, this song represents the voice of the whole African-American community that has struggled for ages. In particular it represents the hope for them to achieve freedom, which is an utopian outlook, that “SOME DAY” it will be utopian no more: Mahalia reminds every black people to continue the struggles and overcome this situation all together.



Sam Cooke – A change is gonna come

The 1960s were years of poitical and cultural change in America, not only for the election of the first catholic president, who succeded in launching the first expedition to the moon, but mostly for the birth of the Civile Right Movement, which tried to affirm equality between black and white people using musicians’ creativity too. This is the story of many songs of that time, including “A change is gonna come” written by Sam Cooke and recorded in 1964.
Infact even if Sam Cooke is more famous for have been a play boy and for his strange death (occured when he was only thirty-three) rather than for his carrier, it’s important remember that he was sensitive to social problems and that “ A change Is gonna come” was inspired by a group of young black artist who hoped to raise awarness of their cause.
Here hope and pain coexists, because even if the string section soli at the beginning underlines how he has been struggled since he was “born by the river in a little tent” he doesn’t miss his optimistic dream of a real change.

Being considered as an answer to the questions posed by Bob Dylan in “Blowing’ in the Wind”, “A Change gonna come” recollets the frustration of all African Americans who has left their freedom since too much time and his personal Arrow for the death of his child.



Woody Guthrie – This land is your land

This land is your land is a folk song written by Woody Guthrie. It was composed based on an existing melody in 1940 and then recorded and published only in 1944-45.
it’s considered like a national anthem by the people of the United States, singed by many famous artists like Bruce Springsteen or Lady Gaga, but what most of them do not know is that it was a kind of satiric response to Kate Smith’s hit “God bless America”, indeed the original title was “God bless America for me”. Guthrie had travelled a lot around his country during his youthness and had seen many violence, hunger and prejudice that had led him to think that the heavenly endorsement was still just a dream for the US; this is why he was so bothered by Smith’s that was always playing on the radios talking about a perfect country. He did not only change the title but also some verses, which sounded to angry and ironical, like “as they stood hungry, I stood there wondering if God blessed America for me”.
In this song Guthrie puts together all the typical music of his childhood like church hymns, outlaw ballads, blues, fiddle tunes and popular music.
Personally, we do not enjoy too much this song because it sounds too country and monotonous; although we do like the lyrics and theirs modernity.



Chuck Berry – Roll over Beethoven

The song “Roll Over Beethoven”; is one of the most successful tracks composed by Charles Edward Anderson Berry, mainly known as Chuck Berry. This single belongs to rock and roll genre and, like all the songs from this kind of music, it imparts a revolutionary message. In fact, this is a reaction to classic tradition and it is clearly visible in the title and in some of the lines, such as “Roll over Beethoven // And tell Tchaikovsky the news”. The novelty of this kind of music is underlined by the association of a great composer from the past with the word roll, which reminded the name of this genre. But this is not only a musical reference, because roll is one of the main actions made in dancing this kind of songs. Rock and roll typical dance is individual and based on the absence of particular steps. The freedom of movements and the new way to express the body stress how the revolutionary contents of this music are not limited to composition or musical instruments, but they have also a social dimension. In facts, in the fifties rock and roll becomes youngers genre thanks the subversive potential it communicates with the songs texts and stars’ behavior. In this
period the main attempt of new generations is to obtain freedom and have less social limits or rules than in the past, and rock reflected these ambitions. This concept also emerges in “Roll over Beethoven”, where Chuck Berry used an entire stanza to describe how a girl dances over his track.
Finally, it is possible to say that this famous song completely embodies the soul of rock, because it contains all the main characteristics of this genre and it even recognizes the origins of this music, as clearly as it emerges in the continuous references to blues.



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Il libro che chi ama il Jazz deve leggere


Suonerà forse un po’ eccessivo, ma credo veramente che la lettura di questo libro sia quasi doverosa per chi ama ascoltare e ballare la musica Jazz (e non solo). Credo quindi sia bene recensirlo il prima possibile (è uscito infatti in libreria da pochi mesi).

Un libro che cambia anche la mia attitudine nei confronti di questo mondo culturale e musicale, che fa riferimento alla storia afroamericana. Non userò infatti più termini generici come “musica nera”, “musica bianca”, “voci nere”, “ritmo nero”, ecc… Ringrazio pubblicamente l’autore per avere in maniera così chiara e sintetica affrontato una questione spinosa, lontana da essere risolta in primis proprio negli Stati Uniti, divisi da un multiculturalismo molto poco melt e che anzi tende a separare gli apporti delle diverse culture (come sta facendo anche da parte afroamericana la “politica” culturale di Marsalis, volta a sottolineare solo la parte “nera” del Jazz). Non c’è bisogno spero di ricordare come purtroppo la cronaca di questi anni recenti ci parli di una nazione spaccata sempre più dal razzismo istituzionalizzato (in particolare all’interno delle forze dell’ordine) verso le minoranze.

Il perché è spiegato benissimo in questo libro, scritto da Stefano Zenni, autore che sicuramente va annoverato tra i maggiori esperti di Jazz in Italia e che già nei suoi ultimi libri per Stampa Alternativa ci aveva raccontato la storia di questa musica a livello globale (Storia del Jazz, 2012) e spiegato i segreti nascosti dietro al fascino che esercita su noi tutti (I segreti del Jazz, 2008).

Ora questo Che razza di musica pubblicato per EDT aggiunge un tassello fondamentale, che congiunge la nostra passione musicale alla storia e alla cultura del nostro tempo. Le trappole del colore di cui parla il sottotitolo sono quelle in cui caschiamo tutti, quando crediamo che una tradizione musicale sia qualcosa di chiuso e concluso, essenza di una cultura o di un certo luogo. Il Jazz come essenza della storia afroamericana negli USA, insomma. Un’affermazione che diamo per scontata, ma che ha bisogno di essere approfondita, per capire che in realtà non ha senso inscatolare note e parole che nascono invece proprio dallo scambio e dall’incontro aperto tra lingue e culture differenti (nella fattispecie: gli italoamericani, gli ebrei emigrati negli USA, gli afro-caraibici, i creoli di New Orleans, la musica classica europea). Senza ovviamente smettere di riconoscere il doveroso tributo alla storia dolorosa dei discendenti degli schiavi africani, ma anzi rendendola ancora più ricca proprio riconoscendo come tutte le tradizioni si alimentano con l’apertura e lo s/cambio reciproco. L’excursus attraverso i secoli e i generi musicali, sempre preciso e ben documentato, rende questo breve volume uno strumento utile sia a conoscere di più la musica di origine (non solo) afroamericana, sia a comprendere le caratteristiche costitutive dello stato che volenti o nolenti esercita la maggiore influenza e attrazione anche sull’Europa.

Un messaggio quello che si ricava che come si può capire è anche molto politico e ahimé parecchio attuale, in questo mondo che sembra avere intrapreso una corsa a perdifiato verso la follia e l’intolleranza. Una lettura utile per tutti, ma fondamentale per chi ama la nostra musica.


Consigli per la lettura: SASSOFONI E PISTOLE


Interrompo momentaneamente e volentieri la pausa del blog, per recensire e consigliare un libro che sono riuscito a leggere solo nelle ultime settimane.

Sassofoni e pistole di Franco Bergoglio (Arcana, 2015) è infatti un libro impegnativo, ma vale decisamente la pena di intraprendere questa immersione nel mondo della letteratura noir a sfondo Jazz. La competenza dell’autore, esperto non solo di Jazz e curatore del bel blog Magazzino Jazz, è una garanzia e le sue ricerche e studi sono enciclopedici, riuscendo a racchiudere in un solo volume miriadi di nomi, titoli e citazioni.

Possiamo allora grazie a questo libro scoprire tante delle connessioni così fertili, dal punto di vista creativo, tra quella parte della letteratura che ha trattato storie a sfondo criminale o poliziesco e la musica “nera” per eccellenza. Uso questo termine proprio per indicare le atmosfere tipicamente noir, più che descrivere un elemento etnico (anche perché dopo avere letto l’essenziale ultimo libro di Stefano Zenni Che razza di musica, di cui sicuramente prima o poi scriverò, mi riprometto di non usare più neanche in ambito musicale certi termini connotati dal punto di vista etnico-razziale).

Complice l’estate, è una lettura che mi sento veramente di raccomandare, anche per conoscere di più la nostra musica, visto che l’autore introduce e contestualizza sempre anche da questo punto di vista ogni capitolo (organizzato come fosse il canovaccio di un’indagine investigativa, detective style). Lascio a voi il piacere della scoperta, pagina dopo pagina, senza svelarvi troppo.

Un caro saluto estivo a tutti, buona lettura (e ascolto, visto che il libro offre anche molti spunti in tal senso)!

Mazz Jazz aka Professor Bop


Buon primo compleanno! – Happy 1st birthday! (INDEX#7)


E così siamo arrivati al primo anno di vita di questo blog, che cominciò le sue pubblicazioni il 21 luglio 2015.

In totale ho pubblicato in un anno 77 articoli, con circa 8.000 visite da parte dei navigatori. Il che fa una media di più di 100 contatti per ognuno degli oltre 6 post al mese.

Sono decisamente soddisfato e spero con questa pagina di avere offerto approfondimenti e spunti, sa a chi ama ballare che a chi preferisce ascoltare, con l’obiettivo di fornire un taglio storico, sociale e culturale al mondo musicale a cui appartengo in questi anni.

Prima di riepilogare qui di seguito gli articoli pubblicati, desidero ringraziare sentitamente i lettori. Ora il blog si prenderà una pausa più o meno lunga per (felici) motivi personali, ci risentiremo appena possibile per nuove puntate!


Mazz Jazz aka Professor Bop

Here we are: time to celebrate the 1st year of this blog!

I want to thank all of you dear readers, here we had circa 8.000 clicks and I’m very happy about it.

I will take a little break now, because of (happy) personal reasons. Hope to write more episodes soon, in order to connect dance, music, history and culture!


Mazz Jazz aka Professor Bop


Ecco l’elenco degli ultimi articoli pubblicati DALLA SESSANTADUESIMA ALLA SETTANTASEIESIMA PUNTATA – Here are the last posts of the blog FROM 62 TO 76:

40 di questi dischi – Being 40 (and not feeling it)

Un percorso CLIL nella storia sociale e musicale afroamericana – A CLIL introduction to afroamerican social and music history

Everyday I have the Blues

What a wonderful world

Strange Fruit

The Blues and his unsung heroes

The revolution will not be televised

11 buoni motivi per andare al Royal Swing Fest – 11 good reason to join the Royal Swing Fest

La Radio del Doposcuola!

Si può suonare (e cantare) meglio di così? Playing (and singing) music at its best!

Ma il Be Bop si balla? DANCIN’ BOP playlist!

Dischi che hanno fatto la storia: PARIS 1945 – History by music: PARIS 1945

Il brano da isola deserta: WEST END BLUES (1928)

Gli anni ’20 dei CHICAGOANS

Big Bands from the SWING ERA (gli ANNI ’30)

Qui gli indici precedenti – Here you can find the previous indeces:

PREVIOUSLY ON: riepilogo delle puntate precedenti

Ricapitolando: l’INDICE del blog

Riavvolgiamo il nastro (INDICE #3)

Prendiamoci una pausa di riflessione (INDEX #4)

Premere il tasto PAUSA – Push the PAUSE bottom (INDEX#5)

Dove eravamo rimasti? – The last episodes (INDEX#6)

Big Bands from the SWING ERA (gli ANNI ’30)


Un equivoco piuttosto comune nella cosiddetta scena Swing è quello che si possa situare l’Era dello Swing tra anni’30 e anni ’50 e in tal modo vengo pubblicizzati diversi eventi.

In realtà, se vogliamo stare alle definizioni storiche, l’era dello Swing convenzionalmente comincia nel 1935 (con un famoso concerto trasmesso alla radio dal Palomar di Los Angeles dell’orchestra di Benny Goodman) e finisce con la fine del secondo dopoguerra nel 1946 (per vari motivi sociali, economici e musicali). Ovviamente la musica e le epoche non nascono né si interrompono all’improvviso e per quanto ci riguarda la fine degli anni ’20 e la prima metà degli anni ’30 furono un periodo decisivo per lo sviluppo delle novità denominate poi Swing. In particolare la formazione delle Big Band e l’arte dell’arrangiamento conoscono in quegli anni sviluppi decisivi grazie ad artisti come Fletcher Henderson e Don Redman. Ma questo ho già cercato di spiegarlo con un altro progetto musicale pubblicato a puntate qui

IMG_20160704_203508Voglio però ora raccontarvi un disco speciale, che racconta la storia di quegli anni, in particolare degli anni ’30, tra i più fertili in tutta la storia del Jazz. Lo vedete nelle fotografie, è una raccolta che racchiude personaggi più e meno celebri di questa saga musicale, in una serie di esecuzioni dal vivo in precedenza mai incise su vinile.

Parliamo in primis di uno dei protagonisti assoluti, il Re del Savoy con la sua orchestra, Chick Webb

Ma la questa storia è stata scritta anche da orchestre meno celebri, in origine chiamate territory bands, perché avevano sede localmente in città e stati diversi degli USA. Il loro suono era spesso caratteristico e cambiava proprio a seconda del luogo, per cui si puà parlare di Kansas City Sound, di Texas Sound e di altri diversi stili orchestrali. Insieme a queste formazioni c’erano poi le star che erano sotto i riflettori, come Bob Crosby, leader dei Bob Cats, una delle band di maggiore successo all’epoca, per il suo legame con il Dixie ancora molto popolare (l’esecuzione scatenata di questo “canto d’amore pagano” è del 1938).

Spesso furono poi i solisti principali che fecero strada in queste band a fondare dei loro gruppi autonomi. In questo disco possiamo sentire all’opera tra gli altri grandi musicisti come Tex Beneke, Jack Teargarden ed Edmund Hall.

Un discorso a parte merita Artie Shaw, il clarinettista più famose dell’epoca, insieme a Benny Goodman. Qui lo possiamo sentire in due rare registrazioni del 1937-1938 coi suoi spumeggianti The Rhythm Makers, prima che negli anni successivi la sua arte seguisse vie più melodiche e commerciali. Lo Swing degli anni ’40 e ’50 fu infatti anche questo: una maggiore facilità e ripetitività, meno estro per i solisti, meno fantasia musicale. Anche per tale motivo poi il Jazz seguì e sperimentò altre strade. Possiamo sentire questa direzione anche nelle incisioni degli anni 1945 e 1946 incluse in questa raccolta, con le orchestre capitanate da Tex Beneke, ex sassosonista solista di Glenn Miller, e Randy Brooks.

Non resta che augurare buon ascolto a tutti e viva gli anni ’30 (musicalmente parlando)!


Mazz Jazz aka Professor Bop


Gli anni ’20 dei CHICAGOANS


Come ben sappiamo il ruolo di Chicago è stato fondamentale per la diffusione, in particolare dalla seconda metà degli anni ’20, dello stile musicale chiamato Hot Jazz (comprendente abbondanti dosi di radici Blues). La “Wind City” infatti accolse la maggior parte dei musicisti neri che attraverso il Grande Fiume Mississippi risalirono gli Stati Uniti alla ricerca di una vita migliore. Inoltre qui si trovarono ad incidere i primi dischi alcuni dei principali musicisti bianchi di questa musica e questo incrocio/incontro generò alcuni dei primi capolavori del Jazz. Non soltanto Louis Armstrong con i suoi Hot Five e Hot Seven, ma anche piccole e variabili formazioni musicali come The Buckton Five, The Stomp Six, Merritt Brunies and his Friars Inn Orchestra, Red McKenzie and Condon’s Chicagoans, Charlie Pierce and his Orchestra, Jungle Kings, Chicago Rhythm Kings e Eddie Condon and his Footwarmers. Band a volte dimenticate, ma che hanno fatto la storia della musica e hanno dato modo di muovere i primi passi e farsi le ossa a grandi artisti poi diventati famosi come Eddie Condon, Muggsy Spanier, Gene Krupa, Mezz Mezzrow, Jack Teargarden. Bianchi che si credevano neri, come da celebre definizione autobiografica di uno dei migliori amici (e non solo) di Satchmo.


Tutti gruppi inclusi in questa importante raccolta di brani degli anni cruciali compresi tra il 1925 e il 1928, durante i quali si gettarono tutte le basi degli sviluppi musicali futuri: l’arte improvvisativa e virtuosistica dei solisti, la pulsazione incessante e incalzante della sezione ritmica, la gioia e freschezza musicale espressa dal collettivo. Sono stati definiti i Chicagoans, intendendo definire con questo termine il fertile e vivace clima musicale della città, che dopo New Orleans e prima di New York fu la capitale dell’Età di Mezzo dell’epopea del Jazz e del Blues.


Sono vinili così che restituiscono la gioia della scoperta, piccoli tesori nascosti nei pochi negozi di dischi rimasti aperti. I brani selezionati in questa raccolta pubblicata da una misconosciuta etichetta discografica probabilmente negli anni ’70 raccontano tutto il Jazz (con forti venature e struttura musicale Blues) degli inizi, sono sia gemme rare che grandi standard che poi sono stati reinterpretati e “mascherati” innumerevoli volte negli anni a seguire: ad esempio I’ve found a new baby, There’ll be some changes made, Darktown strutters ball, Jazz me Blues, Sister Kate, China Boy, Liza, Sugar, Everybody loves my baby. Sentirli tutti insieme, con il fruscio del tempo e la qualità del vinile, è un invito all’ascolto e alla danza a cui non si può resistere.

Viva la storia, viva il Jazz!

Mazz Jazz aka Professor Bop

Il brano da isola deserta: WEST END BLUES (1928)


Il giochino è conosciuto e ovviamente resta tale, senza prenderlo troppo sul serio. Ma se foste costretti a scegliere un solo brano da portarvi sulla famosa isola deserta, vuoi quale portereste con voi per allietare le vostre solitarie giornate?

Io no ho dubbi: porterei la versione di West End Blues interpretata nel 1928 da Louis Armstrong e i suoi Hot Five, nella formazione in cui al piano sedeva il grande Earl Hines.

Il brano, un classico Blues in 12 misure dedicato ad un famoso locale su un lago nei pressi di New Orleans, fu composto poco prima dal primo (e forse unico Re) del Jazz, King Oliver e divenne presto celebre in diverse versioni, tra cui una anche vocale della meravigliosa orchestra di Clarence Williams. Un’altra gioiello musicale è la versione orchestrale in chiave Swing della formazione guidata da Charlie Barney, del 1944.

Ma se scelgo questa versione è perché in questi 3 minuti circa di musica, incisi agli albori del Jazz nel 1928, c’è tutto: l’incipit di tromba forse più famoso di tutti i tempi, lo scat singing e un secondo assolo di tromba straordinario di Pops che contengono tutta l’arte improvvisati, un intervento di Hines che anticipa di decenni gli sviluppi musicali successivi. E un motivo armonico-melodico che ti entra in testa e non ti lascia più. Insomma, tutto quel che ci rende felici di questa musica.

Quale la vostra scelta invece?

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